Question 1

CRISI ENERGETICA  -  Meloni Assicura, "Il Governo non Lascerà Soli gli Italiani"

Accepted Answer

La premier Giorgia Meloni ha rilasciato dichiarazioni rassicuranti sulla crisi energetica che sta colpendo l&#8217;Italia e l&#8217;Europa. &#8220;Il governo farà tutto il possibile per scongiurare gli effetti negativi di questa crisi&#8221;, ha affermato Meloni, sottolineando che le misure già adottate, come il taglio delle accise sul carburante, sono state un primo passo per proteggere i cittadini dall&#8217;aumento dei prezzi.

Ma la crisi energetica non è l&#8217;unico tema caldo affrontato dalla premier. Parlando dei migranti, Meloni ha sottolineato la necessità di un cambio di passo, auspicando che tutte le componenti dello Stato lavorino insieme per affrontare questa sfida. &#8220;Sarebbe meglio se tutte le componenti dello Stato remassero nella stessa direzione&#8221;, ha dichiarato, sottolineando l&#8217;importanza di una collaborazione efficace tra le istituzioni.

La crisi energetica è un tema di grande attualità, che sta mettendo a dura prova le economie europee. L&#8217;Italia, in particolare, è fortemente dipendente dalle importazioni di gas e petrolio, e quindi è particolarmente esposta agli effetti della crisi. Il governo ha già adottato alcune misure per mitigare gli effetti della crisi, ma è chiaro che sarà necessario fare di più per proteggere i cittadini e le imprese.

In questo contesto, le parole di Meloni sono un segnale importante di impegno e di determinazione. Il governo è consapevole della gravità della situazione e sta lavorando per trovare soluzioni efficaci. Ma la strada sarà lunga e difficile, e sarà necessario che tutti gli attori coinvolti lavorino insieme per superare questa crisi.

La situazione è in continua evoluzione, e sarà importante seguire gli sviluppi nei prossimi giorni e settimane. Ma una cosa è certa: il governo italiano non lascerà soli gli italiani in questa difficile congiuntura. E, come ha detto Meloni, &#8220;faremo tutto il possibile per scongiurare gli effetti negativi di questa crisi&#8221;.

Question 2

OPERATORI DI PACE E DI BENE

Accepted Answer

Nel cuore di Milano, in via Ponzio 75, c’è un luogo dove la parola “accoglienza” si traduce ogni giorno in gesti concreti. Da oltre cinquant’anni le suore francescane missionarie di Maria del Centro Francescano Maria della Passione aprono le loro porte a chi vive situazioni di povertà e fragilità: persone senza dimora, anziani soli, famiglie in difficoltà, migranti, uomini e donne che spesso non cercano soltanto un aiuto materiale, ma anche uno sguardo capace di riconoscerli.

Le Suore della Mensa dei Poveri portano avanti un impegno silenzioso ma essenziale: offrire un pasto caldo, una doccia rigenerante, un cambio d’abito dignitoso, un momento di ascolto a chi vive momenti difficili. Negli anni, attorno alla mensa, sono nati anche altri servizi preziosi, come il guardaroba, il centro di ascolto e perfino una scuola di italiano, segno di un’accoglienza che non si limita all’emergenza ma prova a costruire relazioni e futuro.

Fra Marcello, direttore di Opera San Francesco, ha recentemente visitato la struttura accompagnato da Suor Elena, responsabile dei servizi di via Ponzio. Ha potuto vedere con i propri occhi ciò che il sostegno di OSF contribuisce a rendere possibile ogni giorno: una mensa che serve centinaia di pasti quotidianamente (anche più di 300), docce e guardaroba che restituiscono dignità a chi l’ha perduta, volontari (sono più o meno 300) che dedicano tempo ed energie con semplicità e generosità.

Gli spazi sono essenziali, ordinati, pieni di vita. Sin dal mattino volontari e suore si muovono instancabilmente perché tutto sia pronto per il pranzo, il momento più atteso della giornata. Qui chi arriva trova un luogo dove sedersi con tranquillità e consumare un pasto completo, ma anche un ambiente familiare dove sentirsi accolto.

Molte delle persone che frequentano la mensa sono ormai volti conosciuti: uomini e donne anziani, persone rimaste sole, lavoratori impoveriti dalla precarietà, persone che vivono non soltanto una povertà economica, ma anche relazionale. Per loro via Ponzio è diventata una certezza quotidiana, un punto fermo che offre conforto e umanità.

Milano è una città ricca di opportunità, ma anche attraversata da profonde contraddizioni. La povertà cresce spesso in silenzio e assume forme nuove: pensionati che non arrivano a fine mese, persone che hanno perso il lavoro, famiglie schiacciate dal costo della vita. Le richieste di aiuto aumentano e realtà come quella di via Ponzio rappresentano un presidio indispensabile.

È un mondo che noi di Opera San Francesco conosciamo bene. Per questo siamo lieti di essere accanto alle Suore della Mensa dei Poveri e di sostenere il loro lavoro quotidiano. Il nostro contributo aiuta a mantenere aperte le porte di questo luogo di accoglienza, affinché nessuno si senta respinto o dimenticato.

Ogni gesto di solidarietà si trasforma così in qualcosa di concreto: un pasto servito con cura, una doccia calda, un abito pulito, una parola buona, la possibilità di ricominciare.

Sostenere chi lavora per i Bisognosi significa scegliere di non voltarsi dall’altra parte. Significa credere che, anche in una grande città come Milano, nessuno debba restare solo.

Question 3

GUERRIERI DEL TEMPO

Accepted Answer

C’è chi affronta il tempo come un interlocutore scomodo ma inevitabile, e chi invece decide di trattarlo come fanno certi bambini con il mostro sotto il letto: basta non guardare e forse sparisce. Così si corre. Si corre sempre. Si corre nel lavoro, nei rapporti, nelle mode, nelle opinioni, nelle indignazioni del giorno. Si corre soprattutto contro il sospetto più intollerabile: che la vita non sia una scala mobile in salita infinita, ma una ruota. E che la ruota giri anche quando noi distogliamo lo sguardo.

Naturalmente ignorarla è possibile. Anzi, è una soluzione molto popolare. Ha il vantaggio della semplicità: niente bilanci, niente adattamenti, niente dolorose revisioni del proprio personaggio. Basta continuare a muoversi. Come i criceti, appunto: dediti a una corsa instancabile il cui unico risultato è restare esattamente dove si è. Però con il fiatone.

Il problema è che il tempo, oltre a passare, osserva. Ha una pazienza sconfinata e un umorismo abbastanza crudele. Lascia che ciascuno costruisca la propria immagine ideale &#8211; giovane, brillante, desiderabile, indispensabile &#8211; e poi lentamente comincia a ritoccarla. All’inizio con delicatezza: una stanchezza nuova, un entusiasmo che tarda ad arrivare, il sospetto che certe conversazioni si siano già sentite mille volte. Poi con maggiore decisione. E lì si vede la differenza tra chi negozia con la realtà e chi le dichiara guerra.

I primi, di solito, diventano interessanti. Capiscono che cambiare non significa arrendersi, ma selezionare. Prendere il buono: la leggerezza conquistata, l’ironia, il gusto della precisione, la libertà dal bisogno di impressionare chiunque. Respingere il cattivo: il cinismo automatico, la nostalgia trasformata in religione, la tentazione di trasformarsi nel guardiano scorbutico di un mondo che non esiste più. Accettare l’inevitabile: il corpo che modifica le sue pretese, il tempo che accelera, il fatto umiliante ma democratico che nessuno rimane il protagonista della stagione per sempre.

Gli altri invece combattono. E combattono male.

Li riconosci subito, perché il loro invecchiamento assomiglia a una lunga trattativa sindacale con lo specchio. Ogni ruga è vissuta come un complotto, ogni novità culturale come un’offesa personale, ogni generazione successiva come un’usurpazione indebita. Parlano continuamente di autenticità, ma trascorrono metà della giornata a tentare di sembrare ciò che non sono più e l’altra metà a disprezzare chi non finge abbastanza.

La cosa più curiosa è che non c’è nulla di tragico, all’inizio. C’è anzi qualcosa di comico. L’essere umano che pretende di abolire il tempo ricorda quei nobili decaduti che continuano a dare ricevimenti in palazzi ormai privi di tetto: piove sui divani, ma il valzer non si interrompe. “Sto benissimo”, dichiarano con energia quasi atletica, mentre il mondo attorno assume l’espressione imbarazzata di chi non sa se offrire aiuto o applaudire lo sforzo.

Perché il cattivo invecchiamento è soprattutto questo: un cattivo spettacolo. Non la decadenza fisica, che è universale e dunque innocente, ma la caricatura involontaria. Il tentativo disperato di congelare la propria epoca personale e costringere tutti gli altri a viverci dentro. Alcuni diventano archeologi di sé stessi: citano continuamente i tempi d’oro, rievocano trionfi minori con la gravità di cronisti imperiali, trasformano ogni cena in una commemorazione della propria irripetibilità. Se potessero, imporrebbero il fermo biologico alle novità.

Eppure, basterebbe poco per evitare il ridicolo. Un po’ di elasticità mentale. Un minimo di autoironia. La capacità, rarissima, di guardarsi da fuori senza indulgere né condannarsi. In fondo il tempo non pretende entusiasmo: pretende collaborazione. Non chiede di essere amato, ma riconosciuto. È una differenza enorme.

Chi riesce in questo accordo silenzioso spesso acquista una qualità che da giovani è quasi impossibile possedere: la misura. Non devono dimostrare continuamente qualcosa. Possono permettersi il lusso della curiosità, perfino della tenerezza. Sanno che molte battaglie erano vane e che altre, invece, meritavano davvero energia. Hanno perso qualche illusione, ma anche parecchie pose. E senza pose, sorprendentemente, si respira meglio.

Quanto agli irriducibili, bisogna ammettere che offrono un intrattenimento involontario niente male. Osservarli mentre tentano di inseguire eternamente la propria versione storica migliore ha qualcosa di irresistibile.

È teatro dell’assurdo con budget illimitato.

Ci si può sorridere sopra, talvolta ridere di gusto, soprattutto quando l’enfasi supera il buon senso.

Ma soltanto fino a un certo punto. Perché ogni spettatore, prima o poi, scopre di avere già un piede sul palco.

Question 4

PONTE SANT’ANGELO

Accepted Answer

Parlare di Ponte Sant’Angelo (noto anche come Ponte Elio), forse il più iconico dei ponti di Roma, non può fare a meno di ricordare, seppur velocemente, il Barocco e l’intimo collegamento tra lo stile e la Chiesa Cattolica di quel periodo.

Alcuni cenni in merito.

Come sappiamo il Barocco si identifica in un movimento culturale con grande sviluppo in Architettura, che ebbe la sua genesi in Italia tra la fine del 1500 e l’inizio  del 1600 per allargarsi poi, a seguire e con varianti, in Europa fino alla metà del 1700.

Il suo imperativo era “stupire e meravigliare”; a tal fine metteva in discussione fino alla rottura completa le regole stringenti relative all’armonia ed all’equilibrio del Rinascimento per lasciar spazio all’emozione, alla fantasia ed all’impressione.

Le sue peculiarità in breve si identificano in:

-Dinamicità della visione e teatralità formale. Tutte le opere di questo periodo sono sinuose, dinamiche, quasi in movimento. La scena è un teatro e la rappresentazione e l’opera realizzata.

-Ricchezza dell’opera e tecniche di illusione. Le varie opere realizzate poggiano la loro scenografia anche sull’uso di materiali sfarzosi; oro, marmi pregiati, stucchi, modanature, decorazioni, gessi artistici, che conferiscono all’insieme un qualcosa di veramente onirico.

-Contrasti di luce ed ombre. Domina il chiaroscuro per aumentare la teatralità e quindi lo stupore.

-Unione delle tre arti superiori; Architettura, Scultura, Pittura. Le tre arti si fondono per formare una scenografia mai vista prima (detta “bel composto”) onde esaltarne l’apprezzamento formale.

A Roma, città questa in cui il Barocco ha dato i suoi frutti migliori, sono visibili opere ed architetture che esaltano tale stile (P.zza Navona, P.zza di Spagna, Fontana di Trevi); tra queste Ponte Sant’Angelo trova una sua personale collocazione.

Costruito dall’imperatore Publio Elio Adriano per accadere al suo mausoleo per il tramite dell’architetto Demetriano, venne concluso nel 136.

La sua funzione originaria era quella di collegare la riva sinistra del Tevere al suo mausoleo, oggi conosciuto come Castel Sant’Angelo.

Ponte di una solidità straordinaria, non fu mai danneggiato da nessuna piena e tutt’oggi è lì a svolgere la sua funzione anche se, come racconta Stefano Infessura nel suo “Diario” leggiamo che “nel sabato19 dicembre 1450, tornando il popolo da San Pietro dove si era mostrato il Sudario (Giubileo del 1450 – ndr) e data la benedizione da Papa Niccolò V, avvenne la terribile sciagura che per la calca si ruppero le sponde e 172 persone perirono, in parte soffocate sul ponte stesso, in parte annegate nel fiume …..” (da “I Ponti di Roma” di G. Malizia).

I Pontefici che più si adoperarono per trasformare il ponte in una vera e propria opera d’arte furono Clemente VII e Clemente IX.

Il primo pose otto figure realizzate da Raffaello da Montelupo; dalla parte di San Pietro i 4 evangelisti e dalla parte opposta i patriarchi Adamo, Noè, Abramo e Mosè (rif. all. n.ro 1 – Disegno di Domenico Castelli – da “I Ponti di Roma” di G. Malizia).

Quanto realizzato non durò molto,

Infatti Papa Clemente IX, al secolo Giulio Rospigliosi, vista la buona riuscita formale di quanto posto in essere dal suo predecessore, decise nel 1667 di esaltare la bellezza del ponte; a tal fine incaricò il Bernini di ridisegnare le balaustre e di collocare 10 statue di angeli, 5 per ogni balaustra.

All’inizio del ponte, sulla sponda opposta al fronte del castello, sono posizionate le statue di San Pietro e San Paolo; San Pietro tiene le chiavi del cielo e San Paolo stringe una spada.

Le statue degli angeli, che rappresentano la Via Crucis, furono realizzate dagli allievi del Bernini sotto la sua guida, ad eccezione dei 2 angeli recanti il riquadro dell’INIRI e la corona di spine scolpiti dallo stesso Bernini.

Tali statue non vennero mai posizionate in loco in quanto troppo belle per essere esposte alle intemperie; al loro posto vennero ubicate delle copie.

Gli originali sono conservati nella Basilica di Sant’Andrea delle Fratte.

Nel 1892, l’intero ponte venne rimaneggiato per la costruzione dei muraglioni.

Alle 3 arcate centrali vennero aggiunti 2 archi simmetrici in sostituzione di quelli minori.

Tali lavori fecero assumere al ponte l’aspetto che ammiriamo a tutt’oggi.

Io lo vedo così :

Fig. A

Fig.B

Question 5

FRIDA  KAHLO – Autoritratto con collana di spine

Accepted Answer

Frida realizza questo autoritratto nel 1940, dopo il suo divorzio da Diego Rivera e dopo aver chiuso la relazione con il fotografo Nickolas Muray.

L’artista dichiarò: “Dipingo autoritratti perché sono spesso sola, perché sono la persona che conosco meglio”. Durante la sua vita, l’artista ha realizzato 143 opere d’arte, 55 delle quali autoritratti. È diventata famosa per gli elementi autobiografici che costellano le sue opere e che ritraggono  il suo quotidiano. Ognuno dei suoi autoritratti racchiude un qualche elemento di dolore, sia fisico, sia emotivo.

Nel dipinto l’artista rappresenta sé stessa vestita di bianco e in posizione frontale, nell’atto di guardare lo spettatore, con uno sguardo impassibile e distaccato.

La pittrice, con il viso caratterizzato dalle sopracciglia folte e da sottili baffi sulle labbra, porta al collo una collana di spine che arriva fino alle spalle e la ferisce in più punti, facendola sanguinare, al cui centro si trova un colibrì nero morto. Sulla sua acconciatura raccolta si vede una fascia viola, su cui sono poggiate due farfalle e ai cui lati ci sono due libellule fiorate.

Alle spalle ci sono un gatto nero e una scimmia ragno, che tiene un filo della collana di spine, mentre sullo sfondo sono rappresentate delle foglie dai richiami esotici.

L’opera è ricca di elementi simbolici:

La collana di spine: Stringe il collo di Frida provocando ferite sanguinanti, un chiaro riferimento alla corona di spine di Cristo che la eleva a martire.

Il colibrì: Appeso alla gola, ha le ali che ricordano la forma delle inconfondibili sopracciglia unite di Frida. Nella tradizione popolare messicana, il colibrì è un portafortuna in amore, ma in questo caso appare inerte e senza vita, forse simbolo dell’amore perduto.

La scimmia: Donata dall’ex marito Diego Rivera, tira la collana di spine. Simboleggia sia la sua natura dispettosa sia il legame tormentato con Rivera.

Il gatto nero: In agguato sulla spalla sinistra, ha la schiena arcuata ed è il tradizionale simbolo di sfortuna, dolore e morte.

Farfalle e libellule: Presenti nei capelli, simboleggiano la trasformazione e la resurrezione, offrendo una nota di speranza e rinascita.

La natura tropicale: Lo sfondo piatto e rigoglioso di foglie, tipico di molte opere dell’artista, evoca la vitalità della natura in contrasto con la sofferenza interiore.

L’immagine è prevalentemente di tonalità fredda e chiara in primo piano. Sul fondo prevale il verde e lo scuro delle foglie e delle ombre che si confondono con gli animali di colore nero. Invece Frida presenta un incarnato molto caldo in ocra-arancio.

L’Autoritratto di Frida presenta una struttura strettamente simmetrica. L’inquadratura è centrale come l’immagine rigorosamente frontale e ancorata alla verticale. Il busto di forma triangolare con le spalle leggermente ricurve verso il basso sembra creare un basamento che mette in evidenza e valorizza il viso. L’immagine assume quindi un aspetto monumentale e scultoreo. Le curve che si ripetono nel dipinto creano forme morbide come la figura di Frida, gli animali e lo sfondo con foglie insetti.

L’opera diventa non solo un mezzo pittorico, ma un modo per esorcizzare il suo dolore e la sua vita difficile. È degno di nota l’incidente che le causò, oltre l’infertilità, una paralisi della parte inferiore del corpo, costringendola a stare a letto e diventando l’occasione per avvicinarsi alla pittura, come mezzo per sopportare ed elaborare il dolore. Il ritratto diventa un modo alternativo per vedersi, quasi l’occasione per dipingere una diversa vita e viverla in altro modo, forse quello più desiderato.

La scelta di crearsi in questo modo, con questo sguardo duro e magnetico, suggellato delle famose sopracciglia unite, occorre per impossessarsi dell’attenzione dello spettatore e raccontargli la propria storia e sofferenza. Lei che fu una donna così forte, si ricrea con questi occhi così duri, ma al contempo sofferenti. La sua collana di spine ricrea un collegamento con la corona indossata da Gesù nella sua Passione. Frida si autoriproduce come martire, con i segni ben evidenti e ben raccontati della sua continua sofferenza.

Il richiamo alle sue sofferenze, alla sua maternità strappata, al matrimonio fallito e alle tradizioni messicane sono gli elementi basilari dell’opera. Il filo conduttore è quello della sofferenza, presente in quasi la totale produzione artistica della pittrice. Proprio questo filo, però, la rende umana e vicina allo spettatore. Chiunque osservi questo autoritratto porta con sé delle cicatrici e del dolore vissuto. La pittrice non sembra, allora, così lontana. Non vi è distanza temporale, fisica o di vita vissuta. Il dolore avvicina ogni uomo all’altro. Lei ha saputo farlo in modo ancor più umano e altruista, l’ha

Question 6

I GIOCHI DELL’AMORE - Carmen

Accepted Answer

Da qualche parte è scritto:&#8220;L&#8217;amore è un uccello ribelleche nessuno può addomesticaree invano lo si chiama, se gli va di rifiutare&#8221;.

Avrete sicuramente riconosciuto le parole che canta Carmen nella celeberrima opera di George Bizet, datata 1875, l’insuperabile capolavoro del melodramma verista.

Carmen era stata la protagonista di una precedente novella (nel 1845), dello scrittore Prosper Mèrimèe, che la descriveva come una zingara senza cuore, una prostituta svergognata che veniva assassinata, per gelosia, dal suo amante tradito.

Bizet lasciò la trama intatta, modificando solo i tratti di alcuni personaggi e ammorbidendo alcune situazioni troppo crude e dirette ma conservò il tragico finale dell’uccisione della protagonista. In effetti si trattò del primo femminicidio messo in scena. Il risultato, nonostante le aspettative dell’autore, non fu positivo: la prima rappresentazione, avvenuta all’”Opéra Comique” di Parigi nel 1875, non solo non fu apprezzata, ma accusata di immoralità, oscenità, mancanza del senso del teatro e mancanza di buon gusto”. Anche la musica non piacque perché giudicata dai critici, troppo “wagneriana”. Purtroppo Bizet, morto tre mesi dopo la prima rappresentazione, non poté mai assistere al crescendo di popolarità e alla fortuna che raggiunse la sua amata opera, a partire dalla seconda metà del secolo.

Ma chi è Carmen e cosa rappresenta per lei l’amore? Bella, sensuale, sfrontata, affascinante, passionale, ribelle: Carmen è tutto questo e malgrado la sua criticabilissima e dubbia reputazione, risulta essere tra le figure più riproposte e fascinose della cultura occidentale, protagonista in opere musicali, cinematografiche, pittoriche, coreografiche.

Per questa donna così impetuosa, ardente e ricca di contrasti l’amore non è un sentimento romantico tradizionale, ma una passione istintiva, mutevole, pericolosa che esiste solo a patto che si mantengano inalterate la propria libertà e la propria indipendenza. Personaggio, quindi, estremamente moderno.

Carmen ama con voluttà totale solo nel presente, e non accetta legami o promesse a lungo termine. Quando il desiderio finisce, se ne va senza rimorsi.

Rifiuta la concezione dell&#8217;amore basata sul possesso o sul dovere.

E’ una ribelle che vuole scegliere lei stessa chi amare e per quanto tempo, sfidando le convenzioni sociali e la mentalità maschilista dei suoi tempi e oltre.

A tutti gli effetti, quindi, è il primo emblema del nascente pensiero femminista del XIX secolo, una donna che addirittura preferisce farsi uccidere, pur di non rinunciare alla propria autodeterminazione.

Nell’ultimo atto dell’opera, prima di morire, lascerà la firma del suo irriducibile temperamento con la frase:

&#8220;Carmen non cederà mai! Libera è nata, e libera morirà!&#8221;.

Al di là del fascino del personaggio, vale davvero la pena pagare con la vita la difesa di un modo di essere estremo (per la propria cultura) che, in fin dei conti, non porterà nessun mutamento sociale? Non credo… finchè si è in vita, infatti, è possibile portare avanti le proprie battaglie, ma sempre con intelligenza e sano egoismo poiché – a mio avviso &#8211; è magra consolazione immolarsi troncando di netto un percorso (che può essere prezioso per gli altri) a vantaggio di un’idea che chissà se mai troverà la sua incarnazione.

Non dimentichiamoci mai che, per ciascuno, la vita è una sola…

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